Wie LGBTQ-Musiker Hindernisse für den Mainstream überwinden

In den letzten Jahrzehnten eine Reihe von wirklich wegweisenden wirklich wegweisend LGBTQ-Musiker haben die Hindernisse für die Akzeptanz durch den Mainstream abgebaut. Das Aufspüren der LGBTQ-Identität in der Popmusik führt Sie jedoch mindestens bis zum Beginn des aufgenommenen Klangs zurück. In den viktorianischen Musikhallen begann die erste Generation von Popkünstlern, neue Technologien zu nutzen, um ein Publikum jenseits der rauchgetränkten Stände und in die Häuser der Menschen zu bringen. Sie ignorierten die barocken Vorreiter wie Corelli und den gefolterten Tschaikowsky. Nehmen wir Fred Barnes aus Birmingham, der damals ein berüchtigtes Nebeninteresse an Seeleuten hatte. Sein Musikblatt-Hit „The Black Sheep Of The Family“ aus dem Jahr 1907 brachte ihn trotz einer bislang bescheidenen Aufnahmebiographie ganz oben auf die Rechnung. Damals drehte sich noch alles um die Live-Strecke, und Fred war weiterhin ein großer Anziehungspunkt, bis seine Unfähigkeit, seinen Erfolg zu bewältigen, zu einem katastrophalen Niedergang führte.

Auf der anderen Seite des Atlantiks wurde die Jazzszene in New Orleans von dem Afroamerikaner Tony Jackson geblendet, der routinemäßig als der beste Pianist seiner Generation bezeichnet wird. Als er nach Norden nach Chicago zog, schrieb er „Pretty Baby“ – einen weiteren großen Notenhit, der seinen Komponisten lange überlebte und 1978 einen Film mit einer jungen Brooke Shields inspirierte und sogar in einer Episode der britischen TV-Seife EastEnders aus dem 21. Jahrhundert zu sehen war. Das Jonglieren von zwei Nachteilen von Minderheiten war in einer so unversöhnlichen Zeit schwierig und es erwies sich für Tony als schwierig, aus der lokalen Szene auszubrechen. Theatermanager Shep Allen sagte 1963, dass Tony wie Nat « King » Cole klang, aber er hatte mehr Macht und Reichweite. In einer sanfteren Zeit wäre seine Berühmtheit sicherlich weit und breit gestiegen.

Der Schock des Ersten Weltkriegs, der 1918 endete, führte zu einer raschen Erosion der Sozialprotokolle, die die Gesellschaft bis zu diesem Zeitpunkt in einem starren Korsett versiegelt hatten. Die 20er Jahre waren eine Ära, in der die Menschen feiern und das jüngste Gemetzel vergessen wollten. In den großen Metropolen entstanden Bars, die wir heute als „schwul“ bezeichnen könnten, und es gab eine Explosion weiblicher Imitatoren, die eine New Yorker Drag-Szene schufen, die der heutigen nicht unähnlich ist. Billed The Pansy Craze, die berühmteste Wendung auf dieser Strecke, war Julian Eltinge, der so bekannt wurde, dass er für ein Spiel in London gebucht wurde und in Filmen mit dem Stummfilm-Idol Rudolph Valentino auftrat. Karyl Norman fügte seinem Zug Songwriting hinzu und tourte ausgiebig durch sein Repertoire, aber das Verbot, die Depression und die zunehmenden Winde eines anderen Krieges ließen die Bewegung in den Staaten an Dynamik verlieren.

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Verrückt nach den Jungs

Zurück in den USA wurde Douglas Byng ein Hit-Act mit einer Reihe von Markenzeichen wie « Ich bin eine der Königinnen von England ». Als The Pansy Craze die Staaten verlangsamte, verlagerten sich jedoch viele der US-Acts nach Europa, und Paris und Berlin erlebten eine goldene Ära, bevor politische Veränderungen den Keim für die kommenden Schrecken säten. Natürlich wäre keine Zusammenfassung der schwulen Stars aus der Vorkriegszeit vollständig, ohne Noël Coward zu erwähnen, der später einer der größten Stars der Welt sein würde. Sein « Mad About The Boy » wurde erstmals 1932 in « Words And Music » aufgeführt und später von Dinah Washington, mit Vereinbarung von Quincy Jones.

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Die soziale Unterdrückung, die nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs wieder einsetzte, bedeutete, dass schwule Darsteller vorsichtig vorgehen mussten, um sensible Empfindungen nicht zu verletzen. Jazzlegende Billie Holiday Es wurde gemunkelt, dass es bisexuell sei, aber es kümmerte niemanden, wenn Standards wie „That Ole Devil Called Love“ so gut klangen. Schwester Rosetta Tharpe hatte großen Einfluss auf Kleiner Richard und Elvis mit ihrem gitarrenverschmolzenen Evangelium elektrisiert sie das Publikum in ganz Amerika und später in Europa. Aber der größte internationale schwule Star der Ära, der sofort zum Rock’n’Roll führte, war Liberace. Der Pianist wurde 1919 geboren und hatte in den späten 40er Jahren seinen Nachtclub-Act so angepasst, dass er Comic-Schnörkel und einen breiteren Musikumfang enthielt, als ihn seine klassische Ausbildung vorbereitet hatte. Der neue Fernsehdienst machte Liberace zu einem Star und er wurde zu einer großen Live-Attraktion, tourte ausgiebig und wurde Berichten zufolge zu einem der bestbezahlten Künstler der Welt. Eine berüchtigte Begegnung mit dem britischen Daily Mirror und dem US-amerikanischen Confidential Magazine führte dazu, dass er sich außergerichtlich mit einer ansehnlichen Dividende begnügte, als sie seine Sexualität in Frage stellten, aber die Wahrheit sollte schließlich in dunkleren Jahren auftauchen.

Abstecher ins Abenteuer

Die Tradition des weichen, zugänglichen Pops ging durch die 50er und frühen 60er Jahre, als schwule Stars wie Johnny Mathis, Lesley Gore und Tab Hunter fest in ihren jeweiligen Schränken versteckt waren die elektrisierende Revolution des Rock’n’Roll machte Wellen. Eine neue Generation von Akteuren war bereit zu schockieren, wenn nicht sogar zu skandalisieren. Der arme alte Johnnie Ray (wie in Dexys Midnight Runners « Come On Eileen » verewigt) war ein beunruhigtes Teenie-Idol, das es nicht wirklich zusammenhalten konnte, aber mit der anbetenden Hysterie, die er fast überall verursachte, große Besorgnis auslöste. Der kleine Richard (der unterwegs den Spitznamen The Georgia Peach aufnahm) ging viel besser mit dem Druck um und wurde ein hypnotischer Schausteller mit nicht weniger als David Bowie Ich behauptete weiter, er sei ein großer Einfluss gewesen. Kleiner Richard mochte keine Labels, aber sein extravaganter Stil sagte genug.

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Der extravagante Stil des kleinen Richard sagte genug – und beeinflusste in den 80ern auch Leute wie Prince. Foto: Archiv für Spezialakten

Als die 60er Jahre zu schwingen begannen, wurden viele der größten Stars der Ära von schwulen Managern und Produzenten gesteuert, darunter Brian Epstein (Die Beatles), Joe Meek (The Honeycombs) und Larry Parnes (Billy Fury). Draußen jedoch könnte der Schaden, den ein Ausflug verursachen könnte, dazu führen, dass die Schranktüren einer Karriere fest verschlossen bleiben. Trotz einer Handvoll Gegenkultur-Veröffentlichungen, wie The Tornados ‘Meek-produziertem « Do You Come Here Oft », war dies immer noch eine konservative Zeit; solche wie Staubiges Springfield und Long John Baldry achteten darauf, ihre Liebeslieder im Einklang mit den Erwartungen der Öffentlichkeit zu halten. Weitere gewagte Erzählungen entstanden im Laufe des Jahrzehnts mit Die Knicke« Lola » und Lou Reeds « Walk On The Wild » -Seite gehen eine vorsichtige Linie, um die Zensur nicht zu verärgern, sondern zum ersten Mal ganz andere Themen ins Radio zu schmuggeln.

Es waren die 70er Jahre und die Jahre nach den Stonewall-Unruhen und der Geburt der modernen schwulen Befreiungsbewegung, die dramatischere Beweise dafür zeigten, dass LGBTQ-Künstler und diejenigen, die sie unterstützten, endlich selbstbewusster sein konnten. Bei der Glam-Rock-Explosion kam eine neue Theatralik auf die Bühne und während gerade Handlungen wie The Sweet, Alice Cooper, und New York Dolls experimentierten mit Make-up und Pantomime-Performance. Echte Fortschritte wurden erzielt, als David Bowie 1972 der Welt verkündete, er sei schwul – obwohl er es nicht war.

Die Ungeheuerlichkeit eines so großen Stars, der eine solche Aussage machte, erleichterte sicherlich das teilweise Öffnen der Schleusen, und als sein Mainstream-Rivale der Ära Elton John, sagte ein paar Jahre später etwas Ähnliches (und meinte es auch so), es gab nicht die Gegenreaktion, die man sich hätte vorstellen können. Songs wie « Jemand hat heute Abend mein Leben gerettet » stellen das Beste aus Johns Werk dar, und seine autobiografische Erzählung, die einen abgebrochenen Selbstmordversuch beschreibt, der durch eine geplante Lavendel-Ehe ausgelöst wurde, ist bis heute kraftvoll.

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Ich komme raus

Mitte des Jahrzehnts wurde zumindest die Sexualität schwuler Männer selbstbewusster und sichtbarer. Rod StewartDie Geschichte eines Homosexuellen-Bashings, « The Killing Of Georgie », war 1976 ein großer internationaler Hit. Die Rocky Horror Show mit ihren subversiven Themen, die in einen Ansturm von Camp-Humor gehüllt waren, lief seit Jahren auf der Bühne. und Disco begann sich als das Definierende herauszustellen Klang der Tanzfläche. Die Vermarktung eines Acts mit einer starken schwulen Botschaft könnte jedoch immer noch schwierig sein. In Großbritannien wurde Peter Strakers erstes Album fast ausschließlich in der schwulen Presse beworben und bombardiert. Sein zweiter, aufgenommen mit Königin’S Freddie Mercuryfolgte dem gleichen Schicksal. In den USA wurde Jobraith als der erste schwule Megastar der Welt unter Vertrag genommen und in Rechnung gestellt, ertrank jedoch in einem PR-Blitz, der sowohl die Branche als auch die Kunden weitgehend überwältigte. Trotz jahrelanger kritischer Neubewertung dauerte es bis zum 21. Jahrhundert, bis seine Musik bekannter wurde.

Während lesbische Singer-Songwriter wie Cris Williamson, Holly Near (später mit einem Mann zusammenleben und auf Labels verzichten), Joan Armatrading und Janis Ian einige Erfolge erzielten, hielt der Mainstream sie weitgehend am Rande zugunsten sicherer, gerader Frauen wie dergleichen von Diana Ross, der 1980 « I´m Coming Out » aufgenommen und den Schwulenmarkt umworben hat, um seine Karriere aufrechtzuerhalten.

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Aber wenn irgendetwas drohte, das Gleichgewicht zwischen den Geschlechtern in dieser Ära neu zu kalibrieren, war es tatsächlich Disco, die große Stars von Künstlern wie Gloria Gaynor und Donna Summer. Die androgyne Ikone Sylvester hatte einen weltweiten Hit mit „You Make Me Feel (Mighty Real)“ und die Szene gründete sogar eine eigene schwule Supergruppe. Village People speicherte Hochzeitsspiellisten für immer, als sie Songs wie „YMCA“ und „In The Navy“ veröffentlichten ”Am Ende des Jahrzehnts. Mit Bobby O aus New York und Patrick Cowley aus San Francisco würzen sie ihre Produktionsarbeit mit polierten Euro-Synth-Sounds, die von Disco-Acts wie Amanda Lear (wer) entlehnt wurden zierte das ikonische Cover von Roxy Musik‘S For Your Pleasure) und klassische Clubs wie Studio 54 auf dem Höhepunkt ihres Erfolgs schienen die Partys für immer weiterzugehen. Aber natürlich nicht.

Die Gegenreaktion der USA gegen die Disco hatte tatsächlich begonnen, bevor die AIDS-Krise zu greifen begann. Innerhalb weniger Jahre schienen die Fortschritte der LGBTQ-Community so gut wie ausgelöscht zu sein, als insbesondere schwule Männer mit den katastrophalen Auswirkungen des damals unbehandelbaren HIV-Virus zu kämpfen hatten. Die US-Musikszene zog sich in eine von AOR dominierte Ära des Konservatismus zurück, aber in Großbritannien wurde die Punk-Bewegung zu etwas Bunterem und Überlegtem.

Lass sie raten …

Die neuen Romantiker dominierten die europäischen Charts mit Acts wie Duran Duran, Eurythmics und Die menschliche Liga Transformation der Sounds und – ebenso deutlich – des Aussehens der frühen 80er Jahre. Sie mögen gerade gewesen sein, aber ihre vielseitigen Einflüsse und ihr Wunsch zu experimentieren haben dazu beigetragen, Grenzen zu überschreiten. Künstler wie Marc Almond von Weiche Zelle, und KulturklubBoy George achtete darauf, nicht zu sagen, dass sie schwul waren, hatte aber auch keine Angst, Sie zu erraten. Insbesondere Boy George wurde zu einem globalen Megastar und zu den ergreifenden Hits seiner Band, darunter « Willst du mich wirklich verletzen? » (von denen viele die geheime Beziehung aufzeichneten, in der George mit dem Schlagzeuger seiner Band, Jon Moss, war) wurden zu Hymnen ihrer Zeit.

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Die USA würden natürlich aufholen, und sobald MTV seinen landesweiten Rollout begann, würden die Pop-Promos dieser neuen Rasse eine zweite britische Invasion erleben, die der der von den Beatles angeführten Revolution zwei Jahrzehnte zuvor Konkurrenz machen würde. Die schwule Politik im Pop würde auch bei Künstlern wie Tom Robinson, der im letzten Jahrzehnt herausgekommen war und mit „Glad To Be Gay“ einen großen Erfolg in Großbritannien erzielte, und Bronski Beat, die 1984 ihr klassisches Debüt feierten, eine gesunde Dynamik beibehalten « Smalltown Boy » schreibt weiterhin Musik aus einer anderen Perspektive. Als Jimmy Somerville 1985 Bronski Beat verließ, würde sein nächstes Projekt, The Communards, den Erfolg, den er bereits genossen hatte, wohl in den Schatten stellen. Sein Cover von « Don’t Leave Me This Way » wurde 1986 die größte Single Großbritanniens und die Band würde zwei Hit-Alben haben.

Die 80er würden auch sehen die Entstehung der Königin als echte internationale Schätze. Ihr charismatischer Frontmann, Freddie Mercury, hatte seit ihrem Durchbruch 1973 die visuelle Richtung der Gruppe gesteuert, aber seine starke Leistung bei Live Aid festigte den legendären Status der Gruppe. Die Tatsache, dass er an diesem Tag bereits gegen eine HIV-Diagnose kämpfte, sollte seinen bevorstehenden Niedergang noch schwerer ertragen. Die Krise breitete sich weiter aus und der frühe Tod von Vaughn Toulouse von Department S, Alan Murphy von Level 42 und Ricky Wilson von B-52 sind nur einige Beispiele dafür, wie die Krankheit die Branche dezimierte. Als Freddie 1992 an AIDS starb, wurde das ergreifende Stück « Dies sind die Tage unseres Lebens » mit einer Neuauflage des unbestrittenen Klassikers « Bohemian Rhapsody » der Band gepaart. Es führte die Charts an und führte zu einem riesigen Benefizkonzert gegen Live Aid, bei dem Spenden gesammelt wurden, um die medizinische Forschung zu beschleunigen. Elton John hat sich auch für eine große Wohltätigkeitsaktion engagiert, die Millionen für AIDS-Zwecke generiert hat.

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Die Tage unseres Lebens

Trotz dieser Katastrophe wurde die schwule Kultur langsam immer mehr zum Mainstream. Wann Frankie geht nach HollywoodDie Hymne über schwulen Sex, « Relax », wurde von BBC Radio One bekanntermaßen verboten. Der Song katapultierte ihn in die Charts und wurde zu einer der größten Singles Großbritanniens, die die Band in etwa 18 Monate Mega-Star brachte. Die Sängerin Holly Johnson genoss Solo-Hits mit Tracks wie « Love Train ».

Wham! George Michael würde jahrelang nicht herauskommen, aber es war eine wissende Verspieltheit in Bezug auf seine Hänselei und Erregung, die sich von Anfang an an junge Mädchen richtete. Die Synth-Duos Pet Shop Boys und Erasure würden ihre Sexualität auch nie auf den Ärmeln tragen, aber das Thema einiger ihrer Songs, darunter « It’s A Sin » und « A Little Respect », ließ nur wenige von uns raten. Als Erasure beim Relaunch half ABBA Mit der ABBA-ähnlichen EP im Jahr 1992 hätte es nicht offensichtlicher sein können.

Die Disco entwickelte sich in den Schwulenclubs zu Hi-NRG, und ihr poppigerer Synth-Sound, der von Sinittas „So Macho“ und Miquel Browns „So viele Männer, so wenig Zeit“ verewigt wurde, wurde aus diesen Palästen mit Popper-Treibstoff in die Paläste gehoben Nationale Charts von Acts wie Hazell Dean, Dead Or Alive und Bananarama mit Hilfe von Midas Touch von Stock Aitken Waterman, einem Svengali-Produktionsteam, das zugab, schwule Tanzsounds für den Mainstream neu verpackt zu haben. Sie gründeten sogar eine damals geschlossene, aber offensichtlich nur schwule Boyband, Big Fun, die eine Handvoll Hits hatte.

Als der zweite Sommer der Liebe 1988 eine schärfere neue Tanzkultur einführte, reichten schwule Künstler, die Erfolg hatten, von k.d. lang zu Mark Moore von S’Express. Es schien Platz für alle zu geben, und vielleicht war das schwule Label einfach nicht mehr so ​​wichtig. Morrissey hatte eine fey, asexuelle Person kultiviert, die von Hormonen tropfte und die Sehnsucht unterdrückte, die die Indie-Menge begeisterte. Mit seiner Band The Smiths wurde er der Mann, in den sich jeder heterosexuelle Junge verlieben konnte, und Hits wie „William, es war wirklich nichts“ bezogen sich auf eine nostalgische 60er-Jahre-Stimmung, die einzigartig britisch war. K.d. lang verfeinerte ihren Country-Stil und kreierte mit Igénue und seinen Singles, darunter „Constant Craving“, ein Pop-Meisterwerk, während S’Express mit einem Sampling-Stück der Acid-House-Szene mit „Theme From S“ die Spitze der britischen Charts erreichte ‘Ausdrücken. » Rob Halford von Judas Priest gab zu, dass es damals nicht immer einfach war, in der Macho-Rock-Welt schwul zu sein, sagte aber, dass es ein wunderbarer Moment war, 1998 herauszukommen.

Lass uns nach draußen gehen

Als wir in die 90er Jahre rollten, waren immer mehr Künstler bereit, offen über ihre Sexualität zu sprechen. Der Pet Shop Boy Neil Tennant kam 1994 zu Attitude – einer Zeitschrift, die ins Leben gerufen wurde, um das neue Phänomen des „Pink Pound“ (ein Ausdruck, der die Kaufkraft schwuler Menschen beschreibt) zu nutzen. R.E.M.Michael Stipe schien glücklicher zu sein, über sein persönliches Leben zu sprechen, und sogar George Michael machte eine Tugend (und einen Hit, « Outside ») aus der Tatsache, dass er verhaftet worden war, als er wegen Sex in einer öffentlichen Toilette herumlungerte.

Trotz der offensichtlichen Leichtigkeit einiger Bereiche der Gesellschaft, diese Offenheit zu tolerieren, flammten immer noch homophobe Themen und Sprachen auf, insbesondere bei Hip-Hop und Reggae. An anderer Stelle hat Brett Anderson von Suede die von Bowie ein paar Jahrzehnte zuvor verwendeten Linien vielleicht törichterweise noch einmal überarbeitet, und die HIV-Krise würde erst im neuen Jahrtausend wirklich nachlassen. Der zügellose politische Konservatismus wurde durch die aggressive Agenda für Homosexuelle und Empowerment, die von heterosexuellen Unterstützern wie Madonna aufgestellt wurde, rigoros in Frage gestellt, aber die subtilere Arbeit von Leuten wie Melissa Etheridge hat genauso viel Gutes gebracht. Madonna nutzte ihre Position als unbestrittene Queen Of Pop, um den sexuellen Status quo zu provozieren und herauszufordern. Ihre Arbeit von 1992 mit dem Album Erotica und dem Sex-Buch war so mutig, wie es jeder Mainstream-Künstler jemals versuchen würde. Sie überlebte die Gegenreaktion, aber nur…

So geboren

Erst im 21. Jahrhundert begann die Bürgerrechtsagenda inmitten einer Reihe von Gesetzesänderungen zu etablieren – zumindest in westlichen Demokratien -, dass Schwulsein endlich eines der am wenigsten interessanten Dinge sein könnte, die man über jemanden sagen kann Identität. Beth Ditto von Gossip, Sam Smith, und Sia wurden alle zu Hauptstars, ohne sich von ihrer Sexualität definieren zu lassen. Conchita Wurst sorgte für Aufsehen, als sie 2014 mit „Rise Like A Phoenix“ den Eurovision Song Contest gewann, aber das war wirklich alles über ihre Gesichtsbehaarung (Transgender Dana International hatte 1999 für Israel gewonnen).

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Die schwule House-Band Scissor Sisters wurde zu einem riesigen Pop-Act (zumindest in Europa), während es für die meisten Boy-Bands zum Protokoll wurde, mindestens ein schwules Mitglied aufzunehmen, wie Markus Feehily von Westlife, Stephen Gately von Boyzone und Lance Bass von N SYNC zeigen . Alle drei kamen nach dem Höhepunkt ihrer Teenageranbetung heraus, aber die neue Generation, wie Neil Milan von Clean Bandit und Olly Alexander von Years & Years, wartete nicht so lange. Der Brite Will Young wurde 2002 der erste Gewinner von Pop Idol und gab seine Ankündigung kurz nach seiner ersten Hit-Single « Evergreen » bekannt. Adam Lambert machte die gleiche Erfahrung in den Staaten. Es hat ihrer Karriere überhaupt nicht geschadet. Rufus Wainwright schwieg auch nicht und ein Jahrzehnt später schafft Troye Sivan tatsächlich eine Karriere mit seiner selbstbewussten sexuellen Identität und großartiger Musik.

Es scheint sicher, dass Schwulsein nicht der kommerzielle Selbstmord war, der es einmal gewesen sein könnte. « Ich wünschte, ich könnte wieder herauskommen », sagte Latino-Superstar Ricky Martin kürzlich. « Es war wundervoll. » Er hatte seine sexuelle Identität in Menudo und als großer Solist zu Beginn des neuen Jahrtausends geheim gehalten, aber die Zeiten hatten sich geändert. Tom Robinson sagte Darryl W. Bullock, dem Autor von David Bowie Made Me Gay, dass er gerne in einer Welt ohne Labels leben würde. « Es ist wunderbar, dass Menschen einfach Musik machen können, und es ist eher zufällig, was ihre Sexualität ist. » Mittlerweile gibt es schwule Künstler in fast allen denkbaren Musikgenres.

Schwule Ikonen wie Judy Garland (deren Live in der Carnegie Hall Album Rufus Wainwright wurde 2007 vollständig neu erstellt), Lady Gaga, Kylie und Cher nutzen ihre Arbeit seit Jahrzehnten, um die LGBTQ-Community zu unterstützen und zu unterhalten. Diese Marke des Showbiz-Pops hat nichts von ihrer Überzeugungs- und Unterhaltungskraft verloren, aber der wirkliche Wandel ist von der Gesellschaft selbst gekommen. Die Abschwächung der Einstellungen hat dazu geführt, dass schwule Künstler jetzt mit einem Selbstvertrauen wie nie zuvor arbeiten können und wissen, dass sich niemand mehr darum kümmert. Und das ist vielleicht der größte Fortschritt von allen.

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